Edward Hopper, den realistiske maler, der inspirerede Hitchcock

Kun få kunstnere udødeliggjorde tidsånden som den amerikanske maler Edward Hopper. Faktisk inspirerede hans mesterværker mange filmskabere, herunder Alfred Hitchcock. Læs videre.
Edward Hopper, den realistiske maler, der inspirerede Hitchcock
Valeria Sabater

Skrevet og kontrolleret af psykolog Valeria Sabater.

Sidste ændring: 24 september, 2022

Kun få kunstnere udødeliggjorde tidsånden som den amerikanske maler Edward Hopper, ligesom Hitchcocks film fremkaldte den. Tidsånd er et begreb fra det 18. og 19. århundredes tyske filosofi.

Edward Hopper inspirerede mange i raderinger og akvareller, men især i sine oliemalerier. Hans geniale værker er filmiske gengivelser af en nation midt i en seismisk forandring.

Han havde en tendens til at fokusere på det byggede miljø. Især når det udgjorde en skarp kontrast mellem en malerisk nostalgi og en flimrende modernitet. Hoppers evne til at fange stemningen blandt mennesker er det, der gør hans værker unikke.

Det forbinder det stærkt med optimismen og fremmedgørelsen i Amerika før og efter krigen. Edward Hopper blev født i landlige omgivelser i Nyack i det nordlige New York i 1882.

Han begyndte sit kunstneriske rejse som illustrator, tidligt begavet og smerteligt indadvendt. I sine senere teenageår blev han indskrevet på New York School of the Arts. I løbet af skoleårene gik han over til akvarel og oliefarver under Merritt Chase og Robert Henri. Chase og Henri var begge tidens førende impressionistiske malere. De indgød realisme og fokus på det usentimentale i Hoppers værker.

Flere rejser til Paris fulgte, hvilket åbnede Hoppers øjne for de store franske impressionister . Da han vendte tilbage, betragtede han den “rå” og “depressive” livskvalitet i New York City, der var under hastig udvikling. Disse formative år er utroligt vigtige. Hopper har trods alt altid fastholdt, at hans malerier afspejlede en meget personlig og til tider indbildt oplevelse af verden.

“Stor kunst er det ydre udtryk for kunstnerens indre liv. Og dette indre liv vil resultere i hans personlige vision af verden.”

Edward Hopper-

Edward Hopper: Hans mest kendte værker

I denne sammenhæng får de triste og ensomme figurer, der fyldte hans mest kendte værker, en dybere psykologisk vægt. For eksempel, Nighthawks , Intermission, Chop Suey og Eleven A.M. og House by the Railroad .

Det berømte mesterværk, House by the Railroad, var det første værk, som blev erhvervet af Museum of Modern Art (MoMA). Dette prestigefyldte museum var først for nylig blevet åbnet i New York City for almindelig besigtigelse dengang.

Hopper var helt sikkert fanget i den tidlige begyndelse af moderniteten med dens løfter om velstand og fremskridt. De drivende figurer i hans malerier er udtryk for paradoksale følelser af ensomhed og ubehag. Hopper er næsten altid afbildet i tærskelrum, hverken i hjemmet eller i det offentlige rum, og hans valg af omgivelser var derfor fascinerende.

Det bidrager yderligere til den indlysende følelse af fremmedgørelse. På den ene side er disse malerier kulisseagtige repræsentationer af arketypisk amerikansk folkemusik.

Blandt de udvalgte steder kan nævnes tankstationer, spisesteder, moteller og biografer. Alligevel stammer deres største styrke nok fra den måde, hvorpå Hopper brugte disse dagligdags omgivelser. Han transplanterede dem perfekt til sin egen mentale tilstand i dem.

Set på denne måde udspringer Hoppers karakteristiske noir-præg af hans maleriers antropomorfe kvaliteter. De ensomme midnatsrestauranter, det stoiske fyrtårn, de vågne butiksfacader og de generte gadehjørner.

Den udbredte anvendelse af Hoppers billedsprog inden for film

Nøglen til den følelsesmæssige kraft i disse malerier er Hoppers imponerende brug af lys. Dette var i høj grad påvirket af Rembrandts og Degas’ spænding og dramatik. Hoppers malerier anvender ofte lige dramatiske kompositioner af lys og mørke, hvilket bidrager til deres stærke fortællende betydning.

Det forklarer helt sikkert den udbredte anvendelse af hans visuelle sprog inden for film. Især af Alfred Hitchcock, Michelangelo Antonini og David Lynch. Især for Hitchcock var Hoppers blik som en petriskål.

Fra denne petriskål kunne der vokse et uendeligt antal mulige fortællinger. Hoppers indflydelse kan ses i hele Hitchcocks værk, men især i hans filmklassiker fra 1954 Rear Window . Styrken i Hoppers malerier ligger i det, han vælger at udelukke, og spændingen og skuespillet i Hitchcocks Rear Window er baseret på det, der er skjult eller usynligt.

Sammenlign f.eks. parallellerne mellem Hoppers maleri fra 1928 Night Window og filmens karakter af Miss Lonelyhearts. Begge billeder indrammer ensomme, delvist nøgne kvinder i deres eget soveværelse, og begge har en følelse af indtrængen.

Vigtigst af alt bærer de en fremherskende følelse af social isolation på trods af deres tætte bymæssige omgivelser. Hoppers maleri fra 1926 Eleven A.M. viser også på glimrende vis en ensom nøgen kvinde i sit eget soveværelse.

“Måske er jeg ikke særlig menneskelig. Det, jeg ønskede at gøre, var at male sollys på en husgavl.”

-Edward Hopper-

Automat, 1927

Hvis et enkelt værk kunne opsummere Hoppers stemningsfulde brug af lys, kunne det meget vel være Automat . Dette maleri er også et perfekt eksempel på hans filmiske fornemmelse for fortælling og hans ubevægelige skildring af byens isolation.

På maleriet ser vi en ensom kvinde, der sidder ved et bord og stirrer ned i sin kop kaffe. Hun har et udtryk af stille fortvivlelse. Hun sidder under sterilt lys (reflekteret som hængende kugler i det sorte vindue bag hende), med upersonlige møbler omkring sig.

Hun virker fortabt i uvelkomne omgivelser. Lige fra den enkelte handske, hun bærer, til hendes tøj, makeup, kropssprog og ansigtsudtryk, har dette maleri fascineret mange.

Hoppers værk har med sin rige følelse af karakter inviteret til uendelige spekulationer og fortolkninger i århundreder. Valget af en Automat er tydeligvis ingen tilfældighed. Denne “automatiske restaurant” blev udbredt i New York fra 1912.

Som en walk-in automat gjorde den desuden ethvert behov for menneskelig kontakt overflødigt. Den “automatiske restaurant” “betjener” tusindvis af kunder om dagen med industriel effektivitet. Dette ville uden tvivl have bidraget til Hoppers syn på en truet social struktur.

Det blev langsomt udhulet af modernitetens atomiserende virkninger. Ligesom Édouard Manets   Plum , også kendt som Plum Brandy, Automat fortsat fungerer som et stærkt symbol på depression . I lighed med Edgar Degas’ L’Absinthe eller Glas Absinthe, skildrer den moderne bys ensomme menneskemængde paradoks.

Senere værker

Senere i sin karriere blev mange af hans værker udstillet i forskellige udstillinger, bl.a. på Whitney Museum. Dette museum var beliggende i New York City. 1940’erne var en periode, hvor han fandt den største kommercielle succes.

Snart efter, og selv i denne periode, begyndte han at miste kritikerens gunst. Dette skyldtes hovedsageligt de nye kunstformer, og at abstrakte værker begyndte at komme ind i kunstverdenen.

Dette overtog hans arbejde, såvel som mange berømte kunstneres arbejde før ham. Vidste du, at Edward Hopper altid vendte tilbage til flere motiver? F.eks. temaerne om spændinger mellem individer. Han malede også om konflikten mellem tradition og fremskridt i både landlige og urbane omgivelser.

Kunstnere vender altid tilbage til deres elskede temaer. Van Gogh malede sine solsikker og Monet sine vandliljer. Hans valg af emner og især de steder, han malede, synes at have været noget uforudsigelige. De var en del af hans konstante kamp mod den kroniske kedsomhed, der ofte kvæler hans trang til at male. Det var det, der holdt Hopper på farten.

Arven fra Edward Hopper

I dag betragter kunsthistorikere Edward Hopper som den mest fremtrædende amerikanske impressionist sammen med Winslow Homer. I 1940’erne og 1950’erne oplevede Hopper, at han mistede kritikkernes gunst i kølvandet på den abstrakte ekspressionisme . En ny avantgardekunstbevægelse opstod i begyndelsen af 1940’erne.

Willem de Kooning, Jackson Pollock og Mark Rothko brød med de accepterede konventioner, både hvad angår teknik og emne. De lavede således værker i monumentale skalaer. De stod som refleksioner af deres individuelle psyke og forsøgte at udnytte universelle indre kilder.

Edward Hopper malede den følelse, som de fleste mennesker kender: Den tristhed, der er indlejret i tilværelsen, i vores intime kendskab til selvets ensomhed.

Det 20. århundrede var Sigmund Freuds og den freudianske psykoanalyses storhedstid. Hvis Hopper følte, at hans psyke var forvrænget, ønskede han ikke at få den korrigeret. Han ønskede ikke at pille ved sin underbevidsthed eller sit personlige syn på verden.

Sammen med Georgia O’Keeffe har Edward Hopper en enestående status. De er to af de mest fremtrædende figurer i det tidlige 20. århundredes amerikanske kunst. Hopper har dog aldrig manglet folkelig appel. Ved sin død i 1967 blev Hopper betragtet som en vigtig indflydelse af realistiske kunstnere. Der var en ny generation af amerikanske realistiske kunstnere.

“Jeg tror, at de store malere med deres intellekt som mester har forsøgt at tvinge dette uvillige medium af maling og lærred til en registrering af deres følelser.”

-Edward Hopper-

Det kan interessere dig ...
Psykologien bag de “sorte malerier” af Goya
Udforsk Sindet
Læs den på Udforsk Sindet
Psykologien bag de “sorte malerier” af Goya

Psykologien bag de "sorte malerier" af Francisco de Goya forbliver et mysterium. Det er et sæt af mystiske og grusomme malerier.